Quand on partage son placard entre vêtements d’hiver et vêtements d’été, les noms des panoplies exposées dans l’exposition « Poiret King of Fashion » ont de quoi faire rêver. « Manteau d’opéra », « manteau de voiture »… Dans son « jean du vendredi », on salive devant les vitrines où sont exposées quelques belles pièces de la garde-robe de Denise Poiret.
Le Costume Institute du Metropolitan Museum en a acheté 26 ensembles mis en vente aux enchères en 2005 (et complétés par des prêts de musées) par la petite-fille de Denise. Ah cela ne devait pas être désagréable d’être l’épouse et la muse du couturier, se dit-on devant des petits chaussons perlés (pour le bal…), ses robes coupées dans les matières plus audacieuses et ses jolis déshabillés.
L’ensemble de l’exposition consacrée au couturier pionnier du début du

20ème siècle est étonnement actuel. Pas de taille soulignée, pas de vêtement engonçant, pas de seins remontés mais des ensembles flottants, des découpes géométriques et des fermetures sur les côtés comme dans les meilleurs défilés des années 2000. En 1906, Poiret a débarrassé la femme de ses corsets et baleines (avant que Jean-Paul Gautier ne remette la main dessus) et trace ses robes avec de longues lignes droites qui mettent en valeur le port de tête et les épaules.
Si les formes sont aussi étonnantes, de la robe abat-jour aux grands cols drapés, c’est que le couturier, surprise pour un couturier, ne sait justement pas coudre. Il travaille plutôt comme un designer, qui assemble les pans de tissus, architecte de nouvelles silhouettes.
Ses influences sont cosmopolites : déshabillés et tuniques grecques, grands manteaux kimonos écrins. Impressionné par le succès des Ballets russes dans Shéhérazade, il en reprend l’esthétique orientale. A côté d’une vitrine consacrée à des robes des milles et une nuit, le texte de l’exposition explique que Paul Poiret, surnommé « le Pacha de Paris » pour son orientalisme avait, en 1911, organisé une grande soirée « les mille et seconde nuits ». Ceux qui se présentaient à la porte sans avoir respecté le thème de la soirée se trouvaient rhabillés par le couturier qui leur prêtait, entre autres, des sarouels, appelés « pantalons de harem ».
L’exposition est aussi surprenante pour ses tissus (du crêpe au velours de soie) que par la richesse des grands aplats de couleurs. Une vitrine aux brûlantes teintes automnales, des pourpres plus loin, un manteau imprimé de motifs psychédéliques noirs et blancs… Poiret est aussi aux limites de la mode et de l’expression artistique collaborent avec le peintre fauve Raul Dufy, Delaunay et Matisse. Le photographe de ses modèles est encore inconnu. Son nom : Man Ray.
Poiret innove aussi en matière de promotion, inventant le marketing couture avant l’heure. D’une ligne d’articles de maison à des flacons de parfum, il comprend dès le début du 20ème siècle qu’une signature couture peut se décliner sur d’autres articles et faire exister une marque loin des vêtements de départ. Il assure aussi sa visibilité en ayant recours aux people de l’époque, comme l’actrice Sarah Bernhardt à ses débuts. D’autres effrontées, comme la danseuse Isadora Dunca, viendront ensuite s’habiller chez lui.
L’exposition se termine sur une robe qui n’est pas de Poiret. Une robe en soie toute noire, élégante mais un peu cafard, genre base de garde robe Banana Republic. Elle est signée de Coco Chanel, qui après la première guerre mondiale, a compris que les femmes souhaitaient des vêtements fonctionnels. L’idée faisait hurler Poiret. Cette dernière robe est noire, tout comme celle que portait Coco Chanel le jour où les deux couturiers se seraient croisés. « Pour qui portez vous le deuil, madame ? » lui demande Poiret. « Pour vous Monsieur » lui aurait répondu Coco Chanel, pressentant sa chute. On ne sait pas si l’anecdote est vraie. Mais elle pourrait l’être, racontée sur les murs de l’exposition. Largué par la mode androgyne, Poiret plie boutique en 1929 et mourra dans la pauvreté en 1944.
C’est le couturier Azzedine Alaïa qui, le premier, sort Poiret de l’oubli en lui consacrant une rétrospective à Paris. La grande exposition du Met est parrainée par Balenciaga. Son directeur artistique Nicolas Ghesquière, en a signé un message d’introduction. On comprend l’hommage. Nous, on sort de là, inspirées, enchantées, regrettant juste l’absence de cabine d’essayage.
« Poiret King of Fashion ».
– Jusqu’au 5 août au Metropolitan Museum
– Tél. : 212 535 77 10

La vingtaine de photos et le film de l’exposition « Location Disclocation : Identity in a Global world » ont beau être très différents, ils n’ont pas été regroupés au hasard : « Toutes les photos illustrent un lieu qui ressemblent à un autre lieu », explique Max Becher.
Depuis une vingtaine d’année, cet Américain d’origine allemande explore seul ou

avec sa femme Andrea Robbins ce qu’ils appellent « the transportation of place ». Dans leurs expositions, les deux artistes rapprochent toujours des lieux qui se ressemblent en dépit des kilomètres les séparant.
Dans la galerie de l’Alliance Française, ils offrent un nouveau regard sur les relations qui unissent l’Allemagne et la France aux Etats-Unis.
De passage à Toulouse, le photographe américain s’attarde volontiers sur les vignobles environnants ou les toits de briques de la « ville rose » mais Andrea Robbins et Max Becher exposent délibérément des photos de supermarchés de banlieues.
« C’est un petit peu ironique d’avoir ces supermarchés dans de tels endroits », explique Max Becher. « Vous vous attendriez à voir quelque chose de plus historique ». Aux dires des deux artistes, la contradiction est d’autant plus forte que pour un étranger la France est le symbole de la résistance à l’américanisation. Ironiquement leurs photos démontrent que les français ont adopté les emblématiques « strip malls » américains avec enthousiasme.
Plutôt que de jouer sur le contraste entre les hangars de « Toys’r’us », « But » ou « Jardiland » et les paysages environnants, Andrea Robbins and Max Becher ont préféré des plans rapprochés et des clichés très colorés.
D’après eux les supermarchés sont rarement photographiés et, quand ils le sont, c’est soit à des fins commerciales soit pour souligner leur laideur.
Les photographes aujourd’hui professeurs à l’Université de Floride, ont ironiquement choisi une toute autre approche. «Nous les avons photographié comme s’ils étaient des sites remarquables » affirme Andrea Robbins, se disant influencé par le Pop Art. « Nous voulions en faire des cartes postales » ajoute son mari.
Le paradoxe n’est pas oublié pour autant. « Dans chaque cas, il y a une contradiction » reprend Max Becher. Pour la photo de { « Jardiland » par exemple, « vous avez le panneau publicitaire américain typique, dedans il y a « land » mais « jardin » est français. »}
Après avoir contemplé les Etats-Unis en France sur un mur, le visiteur fait volte-face et découvre un petit bout de France aux Etats-Unis : Saint-Pierre et Miquelon. Le film capture quelques instants de vie quotidienne dans l’archipel qui, malgré sa proximité avec le continent américain conserve des traditions bien françaises.
Le jeu de miroir est le même pour les photos de d’Allemagne et des Etats-Unis.
L’exposition est en cela représentative du travail de ces anciens étudiants et professeurs de Cooper Union. Qu’il s’agisse de leurs expositions temporaires ou de leurs collections permanentes au Musée Guggenhein ou au Withney Museum of American Art ils jouent souvent sur les contraires.
« Il s’agit d’oppositions, mais c’est aussi une façon d’équilibrer l’exposition » conclue Andrea Robbins.
Location Dislocation: Identity in a Global World
Jusqu’au 23 juin. FIAF Gallery.

Vous avez vécu à New York à la fin des années 1970, qu’est-ce que ça vous fait d’y retourner ?
J’y ai passé un an et demi en 1979. C’était un moment très important

pour moi. New York avait encore 15 ans d’avance. A la radio, il y avait toutes ces stations sur la FM alors qu’on n’avait pas encore ça en France. Le dollar était à quatre francs. C’était une ville de folie, il n’y avait pas encore de problèmes de sida, c’était un autre monde… Je me sentais à un carrefour culturel. J’avais l’impression que tout était possible. Il y avait tellement d’énergie que je me disais que je pouvais déplacer des montagnes. Ca m’a donné un peu d’inconscience.
C’était l’époque de Billy Joel, d’Earth Wing and Fire, les débuts de mouvements musicaux importants. Je faisais beaucoup les clubs de jazz, j’allais surtout au Village Vanguard, un peu au Blue Note…
New York, c’est aussi une ville que je connais pour y avoir enregistré toute une partie de mon album « alors regarde » de 1990 et de celui de 1994. J’ai retrouvé les ondes de New York, c’était chouette. J’ai pu enregistrer dans des studios exceptionnels.
En plus, je connais le Beacon Theatre où je vais jouer le 14 juin, j’y ai vu des concerts, dans les années 1980, je ne sais plus de quel groupe mais j’en garde le souvenir d’un endroit très chouette. Alors là, j’ai l’impression de boucler la boucle.
C’est important pour vous cette tournée aux Etats-Unis ?
C’est toujours très agréable d’aller faire des concerts à l’étranger. Evidemment, je n’envisage pas une carrière américaine. Mais c’est un passage. Cette fois, il y aura 90 % de Français dans la salle. La prochaine fois, il y aura plus d’Américains… Et puis c’est amusant de faire un t-shirt de tournée américaine. En plus, la tournée que je fais en ce moment est extraordinaire, je la vis comme ma plus belle tournée. C’est un moment très fort. Alors les Etats-Unis, c’est la cerise sur le gâteau.
Vous êtes aussi champion de poker. Est-ce que vous allez profiter de votre concert à Los Angeles pour aller jouer à Las Vegas ?
Non, je n’aurai pas le temps. Maintenant, les tournois de poker se font sur deux ou trois jours. Mais j’irai après. Je rentre en France et je reviendrai après à Las Vegas le 25 juin pour le poker. Et là, ce seront mes vacances.
Les dates de la tournée
San Francisco, le 4 juin: Nob Hill Masonic Center, 1111 California street.
Los Angeles, le 6 juin: Wilshire Theater Beverly Hills, 8440 Wilshire Bd.
Miami, la 12 juin: James Knight Center for the performing arts, 400 se 2nd av.
New York, le 14 juin: Beacon Theater, 2124 Broadway.
Washington, le 15 juin: Maison Française.
Reservations

Après avoir projeté l’image du Christ de Rio sur la façade de la Cathédrale Notre Dame à Paris en 2005, l’artiste française Agnès Winter dévoile cette semaine à New York son dernier travail: un Monument au Sourire, “message de joie, d’espoir et de paix et hymne à l’amitié entre les peuples”. A partir du 31 mai et jusqu’au 9 juin, cette mosaïque géante de 300 photos de visages souriants du melting-pot new-yorkais, sera projetée tous les soirs de 21 heures à minuit sur les 50 premiers étages du Rockefeller Center, gratte-ciel mythique au cœur de Manhattan. Le joaillier français Cartier finance le Monument au sourire dans le cadre de leur international Love Day , le 8 juin, jour où 10% des ventes de la collection de bijoux Love seront reversées à des œuvres de charité. Interview.
D’où vient l’idée d’un monument au sourire?

En 2004, j’ai passé quelques mois à New York au retour d’un voyage au Brésil. J’adore cette ville pour sa diversité et les longues promenades à pied que l’on peut y faire. J’ai commencé à prendre des photos des gens dans la rue, en leur demandant simplement de sourire pour moi. Pratiquement tout le monde a accepté. Beaucoup m’ont dit oui avec bonheur, en éclatant de rire. Il y a à New York une grande gentillesse, une générosité de cœur, un optimisme. Les gens sont heureux, heureux, vraiment. L’idée d’en faire une œuvre est venue plus tard.
Vous avez le soutien de Cartier et du groupe Tishman Spyer, le propriétaire du Rockefeller Center. C’est un exploit…
C’est une très belle histoire en effet. Le co-fondateur du groupe, Jerry Speyer, qui est également Vice-President du Musée d’Art Moderne (MOMA) et un grand collectionneur d’art moderne, m’a répondu positivement tout de suite après avoir reçu mon dossier. Mais il me fallait un sponsor. Après six mois de recherches, j’ai rencontré Frédéric de Narp, Président de Cartier Amérique du Nord. Ce fut une extraordinaire rencontre. Frédéric de Narp s’est tout de suite retrouvé dans le message de joie, d’amour et de paix du projet, qui sont aussi les valeurs promues par Cartier, et a décidé de le présenter comme un cadeau a la ville de New York, préfigurant le Love Day.
En pensant au Monument au sourire, on ne peut s’empêcher de faire le rapprochement avec le 11 septembre…
Je pense qu’il est trop facile de faire ce parallèle. Bien sûr, le Monument au sourire est lié à une histoire que j’ai vécue ici, à ma vie et au 11 septembre. Il n’y a pas un endroit au monde qui n’ait pas été marqué par le 11 septembre. Mais il y a d’autres moments politiques du monde, comme la chute du mur de Berlin par exemple, qui sont aussi très forts. Ce sont des moments où une conscience politique mondiale s’éveille, dans le sens le plus beau du terme, celui de la vie citoyenne d’une planète. Selon moi, le sourire est universel, c’est pour cela qu’il m’intéresse. J’ai toujours été fascinée par le fait que La Joconde de Leonard de Vinci le soit le tableau le plus vu du monde. C’est à cause de son sourire. Quelque part, en travaillant sur le sourire, je touche à des fondements qui sont universaux, à un enthousiasme qui nous dépasse. Tout le monde a besoin de sourire…
Y-a-t-il une dimension spirituelle au projet ?
Le Monument au sourire s’inscrit dans la continuité de mon travail au Brésil où j’avais illuminé en bleu le Christ du Corcovado de Rio pour la paix dans le monde en 2003, et la projection de cette image sur la façade de Notre Dame à Paris en 2005. Dans tous mes projets, je veux faire passer un message de paix et d’amour. La dimension spirituelle du monde, indépendamment des fois ou des croyances, est en effet essentielle pour moi. Je veux également montrer qu’il est possible de faire des choses gratuitement, de s’enthousiasmer, de s’investir au niveau humain autour d’une idée comme celle-là.
N’avez-vous pas peur que le Monument au sourire soit détourné en outil de marketing par Cartier ?
Non. Tous les projets artistiques qui sont présentés au Rockefeller ont des sponsors. J’ai trouvé avec Cartier un investissement, un soutien, et une réelle communauté de valeurs.