« Venir jouer à New York, j’y pensais depuis longtemps, mais seulement en rêve ».
Un peu ému mais surtout très impatient. A 48 ans, Alain Buttingier va venir pour la première fois à New-York interpréter un de ses spectacles. Une programmation qui doit tout au hasard de la vie. « Un ami que je n’avais pas vu depuis 15 ans m’a contacté il y a quelques semaines.

Il souhaitait que je vienne jouer dans son café-concert. C’est le genre de proposition qu’on ne refuse pas » raconte le comédien. Son spectacle, « western solo », singe les vieux westerns spaghettis et autres clichés du Far West. « J’ai hâte de voir la réaction des New-Yorkais car c’est leur culture que je parodie, mais je ne me fais pas trop de souci » s’amuse l’humoriste. Ce sont plutôt des problèmes d‘ordre techniques qui le préoccupent. « J‘ai besoin d’une salle calme car mon spectacle est entièrement visuel. Or je ne sais pas quelles sont les habitudes New-Yorkaises en la matière ».
Avec « western solo », Alain Buttigier remet le mime au goût du jour. Durant plus d’une heure, il incarne une série de personnages, allant du shérif aux Indiens, en passant par l‘interprétation d’objet comme le révolver. «Mon spectacle c’est en quelque sorte un film muet avec en prime de la musique et des sous-titres en anglais qui apparaissent grâce à un rétroprojecteur» explique le comédien.
Un humour international
Pour ce Parisien, admiratif des Devos et autre Coluche, « Western solo » était un pari osé. « Même si j’étais timide, j’ai toujours voulu monter sur les planches. Pourtant je ne pensais pas que je me lancerais un jour dans le mime » avoue le comédien. « C’est grâce au concours de mes amis que ce spectacle a vu le jour. Nous l’avons co-écrit à trois en 1990. Ca nous a demandé un an de travail ».
Pari gagné avec, à la clef, plusieurs représentations au festival d’Avignon en 1994, une tournée en France et une moisson de prix récolté. De cette époque, Alain Buttigier, se rappelle les « fabuleux moments » à jouer dans la France entière mais aussi les moments de « galères » comme ce passage au festival de Montreuil où « il a fallu jouer à minuit devant des spectateurs endormis ». Avec le succès, l’ambition arrive aussi. Celle de faire rire en dehors des frontières hexagonales. En 1996, Alain Buttigier entame une tournée à l’étranger riche en émotion. « J’ai joué dans plusieurs pays francophones africains. C’était passionnant mais un peu délicat car ils n’avaient pas de culture western. Du coup, ils n’ont pas trop accroché ». L’Europe lui a réservé un accueil plus favorable. « Que ce soit à Edimburg, à Londres ou en Allemagne, les gens riaient beaucoup. C’est ça qui m’a plu : savoir que l’humour dépasse les frontières et que je peux faire rire d’autre nationalités ».
Et maintenant, il parle
L’étiquette de mime a pourtant était dur à porter pour le comédien car trop restrictive. « Une fois que l’on est mime, les gens pensent que l’on ne peut rien faire d’autre. Je me suis donc mis à parler pour ne pas rester trop underground ». C’est de ce constat qu’est né « Gourou » en 1997. Un spectacle « transitoire » fait de mimes mais aussi de textes. Alain Buttigier y incarne, avec dérision, un gourou bourré d’incertitudes. « Ca n’a pas était facile car je n’avais pas de références mais j’aime me questionner sur la condition humaine en général ».
C’est alors tout naturellement que son troisième spectacle « Alain Buttigier show » a vu le jour en 2002. « Je parle d’un homme qui ne souhaite pas faire un deuxième enfant à sa femme. La, c’est vraiment autobiographique. J’aime parler de l’affect et de la vie privée car c’est ce qui touche les gens». Un spectacle fait uniquement de textes mais aussi de mimiques dont le comédien raffole. « Je me sens plus libre dans un spectacle parlé. Pourtant, je ne peux pas oublier complètement le mime, c’est ma matière première ». Alain Buttigier interprétera une partie de ce dernier spectacle à Brooklyn. Et en anglais dans le texte.
Prof de théâtre à ses heures perdues, il est devenu à son tour élève en apprenant la langue de Shakespeare depuis quelques semaines. Le comédien compte d’ailleurs bien mettre à profit sa tournée dans la Big Apple. « Je vais emmener quelques DVD de mes spectacles. On ne sait jamais, si je tombe sur un producteur intéressé ». Une version western du rêve américain en quelque sorte.
258 wythe avenue New-York, Brooklyn
Tel: 7182186934
Dates: les 26 27 28 29 30 juin
8 PM
Free admission

Monter une pièce contemporaine française aux Etats-Unis est osé, traduire une œuvre qui traite d’une guerre peu connue du public américain l’est encore plus. Qu’importe, le metteur en scène Ben Yalom a décidé de relever ce défi avec Foolsfury, la compagnie qu’il a fondée il y a une dizaine d’années. Après avoir présenté “The Devil on All Sides” (« Le Diable en partage ») de Francis Melquiot à San Francisco il monte la pièce à New York durant trois semaines.


Fils d’un professeur de français, Ben Yalom a étudié le théâtre à Paris pendant un an. De retour en France en 2004, il entend parler à plusieurs reprises de Fabrice Melquiot. A 32 ans à peine, ce Français avait écrit presque autant de pièces qu’il avait d’années et reçu le prix Jean-Jacques Gauthier du Figaro. Ben Yalom lit plusieurs de ses œuvres mais c’est « Le Diable en partage » qui le fascine le plus. Fabrice Melquiot y raconte l’histoire d’amour tragique de Lorko et Elma, un chrétien et une musulmane, sur fond de guerre en ex-Yougoslavie. « A chaque fois je retournais toujours à cette pièce là », raconte le metteur en scène. D’après lui, Fabrice Melquiot fait pleinement ressentir l’aburdité de la vie quotidienne en guerre. Et ce, sans parti pris parce que “tous les côtés ont fait des choses horribles” -d’où la traduction “The Devil on all Sides”. La pièce, qui fût élue « Meilleure pièce de l’année » et « Meilleure découverte théâtrale » en 2003 par le Syndicat National des critiques n’avait jamais été traduite en anglais.
Alors que Ben Yalom n’avait pas pensé traduire lui-même des pièces pour sa compagnie, il décide de se mettre au travail. La tâche n’est pas facile. Le metteur en scène commence par traduire la pièce de façon plutôt littérale et la fait réciter par quelques acteurs. Bientôt pourtant, il réalise que « quand on fait une traduction d’un texte comme cela, c’est toujours aussi une interprétation ». Les jeux de mots et sous-entendus disparaissent avec une traduction verbatim, il faut paradoxalement s’écarter un peu du texte original pour s’en rapprocher. Fabrice Melquiot donne toute liberté à Ben Yalom qui, fort de son expérience d’auteur, dit avoir pris beaucoup de plaisir à puiser à sa guise dans le vocabulaire anglais. Au final, « je crois que c’est assez fidèle au texte français » affirme-t-il. Aux yeux de la fondation de soutien aux collaborations artistiques : Creative work Fund, c’est en tout cas un succès. Elle attribue en 2005 une bourse à Ben Yaloum pour saluer son travail.
Le défi de la traduction est franchi en trois mois, reste à mettre en scène le texte qui réserve quelques surprises. D’après le texte orignal par exemple, une meute de chiens est sensée traverser silencieusement la scène sans que l’héroïne ne s’en aperçoive. Comment traduire ce genre d’image sur les planches? C’est cette question qui intéresse Ben Yalom.
Malgré quelques passages très délicats à mettre en scène Ben Yalom est sûr que le texte convient parfaitement au style avant-gardiste de sa compagnie. Basée depuis 2004 à San Francisco, Foolsfury se veut repousser les limites du théâtre classique en incluant dans les représentations des épisodes de danse, de chansons et d’interaction avec le public. Chaque pièce est ainsi une expérience unique qui ne peux pas être reproduite en film ou à la télévision.
« Ce qui m’intéressait beaucoup dans le style du texte, c’est qu’il y avait un côté réaliste, sérieux mais aussi surréaliste » explique Ben Yalom. D’après lui, c’est ce côté « surréaliste » et « expressionniste » qui correspond si bien au théâtre de Fooslfury. « La pression des émotions monte à un point si haut que cela doit être exprimé dans un style poétique » dit-il.
La compagnie dit s’être appliquée à apporter « crainte », « excitation » et outrage au cours de ses sept saisons mais Ben Yalom se refuse à dire qu’il souhaite choquer. « L’histoire même de la pièce et de ce que nous faisons dans le monde sont choquants . Nous ne faisons que montrer cela mais dans un style qui le montre à haute voix ».
« Le Diable en partage » n’est pas la seule pièce à avoir retenu l’attention de Ben Yalom. Le théâtre contemporain français est d’après lui « plutôt dynamique » avec des auteurs tels que Laurent Gaudé ou Olivier Py, mais il reste très mal connu aux Etats-Unis. Le metteur en scène n’écarte pas l’idée d’une nouvelle traduction pour combler un peu cette lacune.
The Devil on All Sides
Offre spéciale pour les lecteurs de French Morning.
Entrez sur le site le mot de passe “MATIN” ou mentionnez le au téléphone.
Performance Space 122
212-352-3101

Quand on partage son placard entre vêtements d’hiver et vêtements d’été, les noms des panoplies exposées dans l’exposition « Poiret King of Fashion » ont de quoi faire rêver. « Manteau d’opéra », « manteau de voiture »… Dans son « jean du vendredi », on salive devant les vitrines où sont exposées quelques belles pièces de la garde-robe de Denise Poiret.
Le Costume Institute du Metropolitan Museum en a acheté 26 ensembles mis en vente aux enchères en 2005 (et complétés par des prêts de musées) par la petite-fille de Denise. Ah cela ne devait pas être désagréable d’être l’épouse et la muse du couturier, se dit-on devant des petits chaussons perlés (pour le bal…), ses robes coupées dans les matières plus audacieuses et ses jolis déshabillés.
L’ensemble de l’exposition consacrée au couturier pionnier du début du

20ème siècle est étonnement actuel. Pas de taille soulignée, pas de vêtement engonçant, pas de seins remontés mais des ensembles flottants, des découpes géométriques et des fermetures sur les côtés comme dans les meilleurs défilés des années 2000. En 1906, Poiret a débarrassé la femme de ses corsets et baleines (avant que Jean-Paul Gautier ne remette la main dessus) et trace ses robes avec de longues lignes droites qui mettent en valeur le port de tête et les épaules.
Si les formes sont aussi étonnantes, de la robe abat-jour aux grands cols drapés, c’est que le couturier, surprise pour un couturier, ne sait justement pas coudre. Il travaille plutôt comme un designer, qui assemble les pans de tissus, architecte de nouvelles silhouettes.
Ses influences sont cosmopolites : déshabillés et tuniques grecques, grands manteaux kimonos écrins. Impressionné par le succès des Ballets russes dans Shéhérazade, il en reprend l’esthétique orientale. A côté d’une vitrine consacrée à des robes des milles et une nuit, le texte de l’exposition explique que Paul Poiret, surnommé « le Pacha de Paris » pour son orientalisme avait, en 1911, organisé une grande soirée « les mille et seconde nuits ». Ceux qui se présentaient à la porte sans avoir respecté le thème de la soirée se trouvaient rhabillés par le couturier qui leur prêtait, entre autres, des sarouels, appelés « pantalons de harem ».
L’exposition est aussi surprenante pour ses tissus (du crêpe au velours de soie) que par la richesse des grands aplats de couleurs. Une vitrine aux brûlantes teintes automnales, des pourpres plus loin, un manteau imprimé de motifs psychédéliques noirs et blancs… Poiret est aussi aux limites de la mode et de l’expression artistique collaborent avec le peintre fauve Raul Dufy, Delaunay et Matisse. Le photographe de ses modèles est encore inconnu. Son nom : Man Ray.
Poiret innove aussi en matière de promotion, inventant le marketing couture avant l’heure. D’une ligne d’articles de maison à des flacons de parfum, il comprend dès le début du 20ème siècle qu’une signature couture peut se décliner sur d’autres articles et faire exister une marque loin des vêtements de départ. Il assure aussi sa visibilité en ayant recours aux people de l’époque, comme l’actrice Sarah Bernhardt à ses débuts. D’autres effrontées, comme la danseuse Isadora Dunca, viendront ensuite s’habiller chez lui.
L’exposition se termine sur une robe qui n’est pas de Poiret. Une robe en soie toute noire, élégante mais un peu cafard, genre base de garde robe Banana Republic. Elle est signée de Coco Chanel, qui après la première guerre mondiale, a compris que les femmes souhaitaient des vêtements fonctionnels. L’idée faisait hurler Poiret. Cette dernière robe est noire, tout comme celle que portait Coco Chanel le jour où les deux couturiers se seraient croisés. « Pour qui portez vous le deuil, madame ? » lui demande Poiret. « Pour vous Monsieur » lui aurait répondu Coco Chanel, pressentant sa chute. On ne sait pas si l’anecdote est vraie. Mais elle pourrait l’être, racontée sur les murs de l’exposition. Largué par la mode androgyne, Poiret plie boutique en 1929 et mourra dans la pauvreté en 1944.
C’est le couturier Azzedine Alaïa qui, le premier, sort Poiret de l’oubli en lui consacrant une rétrospective à Paris. La grande exposition du Met est parrainée par Balenciaga. Son directeur artistique Nicolas Ghesquière, en a signé un message d’introduction. On comprend l’hommage. Nous, on sort de là, inspirées, enchantées, regrettant juste l’absence de cabine d’essayage.
« Poiret King of Fashion ».
– Jusqu’au 5 août au Metropolitan Museum
– Tél. : 212 535 77 10

La vingtaine de photos et le film de l’exposition « Location Disclocation : Identity in a Global world » ont beau être très différents, ils n’ont pas été regroupés au hasard : « Toutes les photos illustrent un lieu qui ressemblent à un autre lieu », explique Max Becher.
Depuis une vingtaine d’année, cet Américain d’origine allemande explore seul ou

avec sa femme Andrea Robbins ce qu’ils appellent « the transportation of place ». Dans leurs expositions, les deux artistes rapprochent toujours des lieux qui se ressemblent en dépit des kilomètres les séparant.
Dans la galerie de l’Alliance Française, ils offrent un nouveau regard sur les relations qui unissent l’Allemagne et la France aux Etats-Unis.
De passage à Toulouse, le photographe américain s’attarde volontiers sur les vignobles environnants ou les toits de briques de la « ville rose » mais Andrea Robbins et Max Becher exposent délibérément des photos de supermarchés de banlieues.
« C’est un petit peu ironique d’avoir ces supermarchés dans de tels endroits », explique Max Becher. « Vous vous attendriez à voir quelque chose de plus historique ». Aux dires des deux artistes, la contradiction est d’autant plus forte que pour un étranger la France est le symbole de la résistance à l’américanisation. Ironiquement leurs photos démontrent que les français ont adopté les emblématiques « strip malls » américains avec enthousiasme.
Plutôt que de jouer sur le contraste entre les hangars de « Toys’r’us », « But » ou « Jardiland » et les paysages environnants, Andrea Robbins and Max Becher ont préféré des plans rapprochés et des clichés très colorés.
D’après eux les supermarchés sont rarement photographiés et, quand ils le sont, c’est soit à des fins commerciales soit pour souligner leur laideur.
Les photographes aujourd’hui professeurs à l’Université de Floride, ont ironiquement choisi une toute autre approche. «Nous les avons photographié comme s’ils étaient des sites remarquables » affirme Andrea Robbins, se disant influencé par le Pop Art. « Nous voulions en faire des cartes postales » ajoute son mari.
Le paradoxe n’est pas oublié pour autant. « Dans chaque cas, il y a une contradiction » reprend Max Becher. Pour la photo de { « Jardiland » par exemple, « vous avez le panneau publicitaire américain typique, dedans il y a « land » mais « jardin » est français. »}
Après avoir contemplé les Etats-Unis en France sur un mur, le visiteur fait volte-face et découvre un petit bout de France aux Etats-Unis : Saint-Pierre et Miquelon. Le film capture quelques instants de vie quotidienne dans l’archipel qui, malgré sa proximité avec le continent américain conserve des traditions bien françaises.
Le jeu de miroir est le même pour les photos de d’Allemagne et des Etats-Unis.
L’exposition est en cela représentative du travail de ces anciens étudiants et professeurs de Cooper Union. Qu’il s’agisse de leurs expositions temporaires ou de leurs collections permanentes au Musée Guggenhein ou au Withney Museum of American Art ils jouent souvent sur les contraires.
« Il s’agit d’oppositions, mais c’est aussi une façon d’équilibrer l’exposition » conclue Andrea Robbins.
Location Dislocation: Identity in a Global World
Jusqu’au 23 juin. FIAF Gallery.